Tecniche di Orchestrazione da Film — 2h 59m 36s

Orchestrazione in pratica

I manuali di orchestrazione sono, spesso, lunghe descrizioni del funzionamento e delle caratteristiche di ciascuno strumento.

È così che è stata strutturata anche la guida gratuita all’orchestra su Musica-Digitale.it, ed è così, anche se con tanti esempi pratici, che sono state strutturate le lezioni di questo corso fino a questa settimana di lezione.

Il fatto è che bisogna davvero conoscere gli strumenti, uno ad uno, prima di poter scrivere le loro parti e avere la sicurezza che suonino come desideriamo.

Purtroppo, almeno nella letteratura classica di orchestrazione – come Korsakov, Berlioz, Adler o Piston – lo spazio dedicato effettivamente all’orchestrazione è limitato.

In realtà le indicazioni non sono sommarie. Ogni autore indica i ruoli e le associazioni più corrette e, a parte qualche inevitabile errore materiale, quelle associazioni funzionano.

Dove manuali e guide non aiutano è nella pratica dell’orchestrazione. Nel fare. Questo è lo scopo di questa settimana di lezione e della prossima.

Avendo ben presente come suona ciascuno strumento, e quindi l’arsenale di suoni a nostra disposizione, possiamo adesso fare delle scelte consapevoli.

In teoria, anche solo limitandoci alla conoscenza del range di ciascuno strumento, alla sua intonazione e al ruolo che normalmente gli viene associato, dovremmo già essere in grado di “orchestrare”.

Ma se ci limitiamo a ripartire il nostro “Sketch al Piano” su tutte le famiglie orchestrali, pur rispettando l’atmosfera del brano e associando tra loro gli strumenti più consoni, il risultato non sarà dei migliori.

Quello che dobbiamo fare è di imporci un metodo preciso, probabilmente più restrittivo rispetto all’approccio aperto dei musicisti classici o degli insegnanti formali, ma che funziona.

Per sperimentare, c’è sempre tempo.

Dividiamo quindi la pratica dell’orchestrazione in tre fasi:

1. La scelta della strumentazione, strettamente legata al brano
2. La suddivisione del materiale musicale sugli strumenti più idonei
3. La creazione di un suono coeso e immediatamente riconoscibile, il suono americano (che vedremo in dettaglio la prossima settimana)

Attraverso questo metodo, semplice ma non semplicistico, saremo in grado di orchestrare in modo competente andando oltre indicazioni di massima come “flauto, violino e viola all’ unisono”.

Una buona orchestrazione annulla la differenza tra reale e virtuale

Per un brano che suoni bene, non contano tanto la qualità delle sample library, il numero di plugin o il magico intervento di un mastering engineer. Conta prima di tutto la musica, e l’orchestrazione.

È per questo che sviluppiamo il metodo coerente e sistematico già indicato sopra.

In particolare, adoperando questo metodo renderemo inutile o quantomeno non essenziale il mixing.

L’orchestra classica dal vivo non aveva e non ha bisogno di mix engineer: era il compositore a occuparsi sia della componente dinamica che di quella di equalizzazione delle frequenze.

Senza fader, senza plugin. Semplicemente scegliendo gli strumenti giusti e mantenendoli in equilibrio attraverso normali segni di dinamica.

Sempre in queste settimane di lezione vedremo come nel suo “Trattato sull’Orchestrazione” scritto nel 1844 Hector Berlioz sembra parlare appunto al musicista digitale insistendo con vigore su un elemento essenziale per la riuscita di un brano orchestrale. Manca praticamente solo che faccia uso della parola “plugin”.

Questo deve rassicurarci, perché il timore principale dei musicisti digitali è ancora quello di essere degli apprendisti stregoni, che approssimano la musica orchestrale, senza raggiungerla. E non è così.

Naturalmente, diventa tutto molto più semplice dopo che si è raggiunta una buona familiarità con gli strumenti ed è per questo che gli strumenti devono essere trattati prima e questo corso di musica per film non fa eccezione.

Ma si tratta in sostanza di ampliare la propria visione della partitura in modo da considerare non più le singole parti ma il risultato coeso di queste parti che suonano insieme.

Inutile dire che tanta parte la fa anche il mestiere. Bisogna fare molta pratica. Ma seguendo un metodo coerente, gran parte degli errori iniziali possono essere schivati riducendo di molto la frustrazione e ottenendo risultati gradevoli sin dall’inizio.

Conosci meglio Susanna Quagliariello

Compositore / produttore cinematografico / autore pubblicato. Laurea in Storia e Critica del Cinema, master di alta formazione, licenza triennale di conservatorio, diploma specialistico di composizione e orchestrazione per musica da film. Amministratore VFX Wizard e direttore della scuola online.

Recap e approfondimento su voicing e orchestrazione

01. Recap sulla pratica dell'orchestrazione
Durata: 3m 29s

02. Trasferire la struttura SATB nell'orchestra
Durata: 3m 21s

03. Le sottigliezze di una orchestrazione professionale
Durata: 2m 05s

04. Orchestrazione e Voicing
Durata: 4m 28s

05. Orchestrazione e Voicing II
Durata: 3m 10s

06. Voicing, Orchestrazione e Rapporti Relativi
Durata: 2m 23s

07. Voicing, Orchestrazione e Rapporti Relativi II
Durata: 2m 32s

Orchestrazione per livelli: le articolazioni

08. Orchestrazione e Articolazioni
Durata: 4m 05s

09. Cambiare articolazione è sufficiente?
Durata: 3m 38s

10. Scegliere con cura le articolazioni
Durata: 3m 57s

11. L'articolazione influisce sulla composizione
Durata: 3m 16s

12. L'equilibrio tra composizione, orchestrazione e intensità sonora
Durata: 5m 45s

13. Velocity (o Expression o MOD) e Articolazioni
Durata: 4m 37s

14. Livelli e diverse famiglie di strumenti
Durata: 5m 44s

15. Torna il voicing degli accordi
Durata: 2m 47s

16. Un semplice metodo per il realismo degli stumenti a fiato
Durata: 3m 15s

Orchestrazione su più di due livelli

17. “Boxer Teaser” – Orchestrazione su più livelli
Durata: 2m 10s

18. Da due livelli alla piena orchestra
Durata: 2m 07s

19. Oltre i due livelli: miglioramenti progressivi
Durata: 2m 30s

20. Range, Voicing e Chiarezza dello Sketch
Durata: 2m 04s

21. Sviluppare un'idea: Terzo Sketch (ritmo)
Durata: 3m 03s

22. Sviluppare un'idea: a metà tra primo piano e sfondo
Durata: 4m 03s

23. Sviluppare un'idea: ritmi differenti
Durata: 4m 31s

24. Sviluppare un'idea: andamento dinamico
Durata: 3m 41s

25. Sviluppare un'idea: “cantabile” significa che è umano
Durata: 2m 39s

26. Sviluppare un'idea: separiamo i livelli nello Sketch
Durata: 3m 39s

27. Sviluppare un'idea: il momento delle scelte
Durata: 2m 48s

28. Sviluppare un'idea: anche l'epoca è definita
Durata: 3m 11s

29. Dallo Sketch all'orchestra: le fondamenta
Durata: 2m 45s

30. Orchestrazione: Ritmo e Volumi
Durata: 4m 10s

31. Il Volume su più di due livelli
Durata: 2m 29s

32. Gli accenti su più di due livelli
Durata: 2m 25s

33. Articolazioni e Keyswitch nei brani orchestrali
Durata: 3m 10s

34. Articolazioni dei violini e differenze nelle articolazioni
Durata: 2m 53s

35. Ambiguità tra performance reale e virtuale
Durata: 3m 09s

36. Allargare l'orchestrazione oltre le fondamenta
Durata: 4m 51s

37. Valutare le famiglie: intrecciarle o tenerle separate?
Durata: 3m 52s

38. Tante diverse soluzioni dallo stesso Sketch
Durata: 2m 47s

39. Requisiti dell’esercizio e versione finale
Durata: 1m 52s

40. Berlioz e il Riverbero
Durata: 3m 14s

41. Riverbero Diegetico e Extradiegetico
Durata: 2m 51s

Notazione e il “metro hollywoodiano” [Approfondimento]

42. Dal Sequencer alla Notazione
Durata: 4m 59s

43. Tecniche specifiche per lo Sketch
Durata: 3m 13s

44. Non farti intimidire dal risultato iniziale
Durata: 4m 18s

45. Completiamo la pulizia nel software di notazione
Durata: 2m 57s

46. Perché sono importanti i cambi di metro
Durata: 3m 35s

47. Notazione pratica del metro nella partitura
Durata: 3m 50s

48. Notazione hollywoodiana del metro
Durata: 7m 04s

49. La battuta vuota nel software di notazione
Durata: 5m 08s

La Mappa: orientarsi nelle lezioni già seguite

50. Mappa: Lezioni con le regole di teoria
Durata: 4m 34s

51. Mappa: Lezioni su concetti e scrittura musicale
Durata: 1m 49s

52. Mappa: Lezioni sulla musica “cantabile”
Durata: 2m 43s